Art and Dream

Music: Art or Image? Música: ¿Arte o Imagen?

2012-01-24T04:15:00.000-08:00

Lately, I have been watching and attending concerts. It struck me the lack of emotions from performers and audience. It is an emotionless play more than a performance. It seems a form, where people gather to “enjoy” music and art with forced enjoyment. The other extreme also exists, where performer's movements and gestures shadow the music itself, making it fake and unnatural. The reaction of the audience equals the performers, it appears they are not sure if they should like it or not and the general reaction spreads like a virus, with overwhelming bravos and applause.

I like to point out that it is not always like this; anyways, it does happen more often than that I wish. I have been in many great performances, where the performers reactions were accordingly with the music as well as the audience.

Then, many questions invade me. One of them; why do I play music? What is music for? Why do we have music? What is the difference between live music and a recording?

We have music to make us feel emotions, there for, we do not need to understand music or be experts in music to attend a classical performance. We just need to sit and feel. It is as simple as that. We do not need to pretend or try, we need to listen and feel, imagine and enjoy.

As a performer, I do my best to be as loyal as possible to the score. I like to shape my sound or the sound of the ensemble in the same directions as the composers will, always from my point of view, after a previous study and research of all the necessary information to perform. This study is extraordinary. I get to know a composer, his time, his life, his feelings and how he put it down in paper. Making this study it will bring me so many emotions and these experiences will shape my personality and artistry.

I have many friends that think this way. We have been educated in music this way. Then, what happens with performers who make emotionless sounds or performers whose movements are so fake that they try to cover the obvious fact; the luck of artistry or emotion.

The association between art and social status along with the image has been part of concerts and art education itself. Principal reasons for families sending their children to learn music, or any type of art, were purely for social appearance and not for their full education (this is a generalization and all cases are NOT like that). Also, some time ago, everybody could not reach music and art education for economical reasons and luckily this has changed, but, the misunderstanding of art and social status/image got a little mess-up.

My final cogitation will be to observe this problem and to make surethe reason of doing art or music is purely for the sake of art or personal growth. At the same time ask people to attend concerts for pure enjoyment, ask them to feel without an understanding of music because it is not necessary. We do not need to pretend, or to be “someone” to go to a concert, at the same time, we are not more because we were trained in the art world, we are just artists with the same social status or image as any other with a different profession.

I hope for people not to misunderstand my words and if you have something to add to this article, please, feel free to comment.

Estos últimos meses he asistido a diferentes conciertos y eventos de música. Mi asombro despertó por la poca sensibilidad de los ejecutantes; sin sentimientos ni ideas musicales. Parecía una obra sin forma o sentido donde gente sentada ejecutaban sonidos sin sentido. Otro extremo de esta cruda realidad vino de ejecutantes que con la exageración de movimientos intentaban esconder la inexpresividad con la que ejecutaban la música. El público, atónito, aplaudía con inseguridad pero gracias a los exagerados “bravos”, el virus de la exaltación se expandió por el auditorio.

Por fortuna no todos los conciertos han sido de esta índole, aunque sí muchos más de los que me hubieran gustado. He asistido a conciertos extraordinarios donde la reacción del público va acorde con la música y los músicos.

Todas estas experiencias me han llevado a reflexionar y a preguntarme cuestiones tales como ¿Por qué me dedico a la música? ¿Para qué sirve la música? ¿Por qué tenemos música? ¿Cual es la diferencia entre la música en directo y las grabaciones?

La música nos hace sentir emociones, y si esta es la razón de la existencia de la música y por ello el objetivo total de la música, no necesitamos entender la música para asistir a conciertos; con sentarnos y sentir es suficiente. Pretender entender y/o aparentar no es en absoluto necesario.

A la hora de la ejecución me esfuerzo al máximo en ser fiel a la partitura. Me gusta que la idea del sonido que el compositor quiso reflejar, reflejarlo con mi sonido o con el sonido de la agrupación, dándole la misma forma que le hubiera gustado al compositor, siempre desde mi propia interpretación, después de haber hecho un exhaustivo análisis sobre la obra, estilo y compositor. Este trabajo es magnífico, ya que después de todo, la experiencia de este tiempo aprendiendo me hace desarrollar como artista y persona.

Muchos de mis amigos y colegas piensan y trabajan de esta manera, hemos sido educados de esta forma. Así pues, ¿Qué ocurre con estos ejecutantes que producen sonidos sin sentimiento o idea musical? ¿Por qué esos movimientos sin sentido con la finalidad de tapar lo evidente?

La música clásica y el arte siempre han estado asociados a una clase social específica y a una imagen. La razón principal por la que muchas familias mandaban a sus hijos a una escuela de música o arte eran puramente sociales y de imagen (claro está que esto es una generalización y no todos los casos son así). Por otra parte, hace un tiempo, no todas las familias tenían las facilidades para mandar a sus hijos e hijas a una escuela de música o arte. Esto afortunadamente ha cambiado, pero este cambio ha traído la confusión entre los valores y los principios por los que hacemos música y arte.

Mi reflexión final es que observemos este problema y así, podamos fijar valores, objetivos principales y las razones por la que hacemos arte, que para mí son el trabajo por el arte en sí y el desarrollo humano personal, por encima de cualquier imagen o pretensión. Al mismo tiempo, pidamos a la gente que asista a los conciertos por diversión y no por entendimiento, no hace falta entender para disfrutar. No hay que pretender, o intentar ser “alguien” para asistir a un concierto, ni tampoco, los artistas somos más o menos que nadie por dedicarnos a esto, somos iguales que el resto de la sociedad.

Espero que no malinterpreten mis palabras, y si tienen algún comentario o sugerencia siempre pueden escribir comentarios. Gracias.

Thank You 2011!! Gracias 2011!!

2012-01-15T06:04:00.001-08:00

Dear friends and followers of my blog. It has been long time since the last times I have write anything. I am back, and I hope to keep it up! It is hard because of my busy schedule and some new projects.

I don’t like to write about a special topic but about my own feelings. With this entry, I like to thank for a great ending of 2011. It has been a long but a very fulfilling 2011 in a personal and professional level.

The year started with the visit of Joseph Alessi (Principal Trombone of New York Philharmonic). We had a great camp with him in Korea and we learned so much from him, not just as a trombonist, musician and an artist but also as a human. He was so giving; it really was a blessing having him in Korea.

I was proud of Students of The University of Suwon playing wind ensemble. They did in a very high level, and they showed our community that you could produce music and art at same level of a symphony orchestra but playing wind ensemble music.

I was so lucky to travel back to Brass Explsion of Singapore thanks to Fredi Sondereger and David Smith, and first time to Slider Asia Festival in Hong Kong. It was a great repeating experience in Singapore where I shared this experience with my dear teacher Scott Hartman and it was great to meet new friends in Hong Kong thanks to Stanley Chen.

Scott Hartman was so kind to join us in Daegu. We did an extraordinary camp where students were super happy. For me was very special to have Scott teach my students. I have learned so much from him; I have no letters to write to describe my feelings about it.

2 incredible persons came to this world, Ane and Aroa, my nieces. I hope to see them this coming February.

Going back to Boston after 4 years was another pick of the year. I had such a great opportunity playing recitals and teaching Master Classes at Yale University, Massachusetts University and Boston University thanks to Scott Hartman, Greg Spiridopoulos and Don Lucas. I saw my old friends and I had such a great time!!

After all, the ending was just supreme! I conducted Hwaseong Festival Orchestra and the president of The University of Suwon awarded me for my personal and professional development.

In 2011 a very good friend left this world. I lost some good friends and gain some new ones.

Again, I feel lucky and I think 2012 it can’t be better than 2011. I am sure it can be in a personal level but professional… I will really have to work very hard to do it better. Anyway, I will try.

Thanks for visiting my bolg.

Hace ya un tiempo que no escribo en mi Bolg. Es muy difícil encontrar el tiempo cuando se está super ocupado. Ha sido un año fantástico y con esta entrada al bolg, me gustaría hablar de lo que siento en estos días y así compartirlo con vosotros.

El año empezó con la visita a Corea de Joseph Alessi (Solista de trombón de la Orquesta Filarmónica de Nueva York). A parte de ser un trombonista, músico y artista reconocido mundialmente me impactó su generosidad y humanidad. Fue una experiencia maravillosa compartir el principio de año con él.

Estoy muy orgullos de los alumnos de la Universidad de Suwon. Demostraron que no por que toquen instrumentos de viento o de percusión son menos que una orquesta sinfónica. Trabajaron muy fuertemente e hicieron un conciertazo. El concierto de la Banda de la Universidad de Suwon fue un éxito.

Brass Explosion de Singapur me volvió a invitar a su festival donde siempre he tenido una experiencia maravillosa gracias a Fredi Sondereger y David Smith aunque este año fue algo más especial gracias a mi profesor Scott Hartman con quien compartí muy buenas experiencias. Por otra parte, Stanley Chen me invitó por primera vez a Hong Kong donde hice nuevos amigos y fueron momentos muy bonitos.

En Verano, mi profesor Scott Hartman vino a Corea a hacer un seminario en Daegu. Fue algo muy especial, ya que ver a mi profesor dar clases a mis estudiantes es algo especial, no tengo palabras para describir lo que se siente.

2 personas increíbles llegaron al mundo, mis sobrinas Ane y Aroa que las conoceré muy pronto!

Regresé a Boston después de 4 años, no solo a ver a mis queridos amigos de siempre, que me encantó volver a verlos, también tuve la increíble oportunidad de tocar recital y hacer Master Class en las universidades de Yale, Boston y Massachusetts gracias a Scott Hartman, Don Lucas y Greg Spiridopoulos.

El final de año no podía ser mejor ya que dirigí por primera vez como director artístico a Hwaseong Festival Orchestra y el presidente de la universidad de Suwon me premió por mi desarrollo personal y profesional.

En el 2011 algunos amigos se fueron para siempre de este mundo, perdí otros amigos ya gané otros nuevos.

Resumiendo, el 2011 fue algo impresionante y la verdad que aunque el 2012 pueda ser mejor que el 2011 en lo personal, creo que en lo profesional va a ser bastante difícil aunque trabajaré a tope para ello.

Gracias por visitar mi blog.

Musicians Versus Rights

2011-04-29T07:14:00.000-07:00

Almost all over the world, musicians are protected in their orchestral jobs by either musicians union or by workers union. Unfortunately or "fortunately", in some countries it does not work that way.
The way of being "protected" consist in unions negotiating the rights and obligations of the orchestra members with the orchestra government or management directors. Orchestras without these unions, the government or management set up rules for the orchestra members and many times these "rules" are changed in base of the management or government needs, or in some other cases by the conductors needs.
The reason of bringing up this topic is to reflect the fact if musicians having rights make orchestras better or worse or this is upon of the country or the society where the orchestra is base on.
What is the point of having musicians without rights or union rights? Does make this musicians to work harder so they will not get fired if they don't fulfill their bosses standards? Does the conductors or managements control the orchestras and musicians as their wish? Is this good? Do musicians in these cases feel part of the orchestra or working for some organization?
The fact is that the 95% of the first class world orchestras are "protected" by unions. But many orchestras members with rights they do not work hard enough and they are just lazy in their work and this make the orchestra to don't be as best as could be.
"Protection", is the word that I keep using, but, protecting from what?
It is clear that a democracy is the ideal way of function for many countries. Why some of these countries orchestras don't function in democracy?
It is clear that the reality of each orchestra is unique and there are so many unique cases. Anyway, I like to search the ideal way of having a thought about this.
I look forward reading what is your opinion on this if you have one.
Thank you,
Unai

Orchestra/Band/Enseble (Conductors)

2010-08-31T01:08:00.000-07:00

Our history has left us with many great conductors. Today, also we have many great conductors. Anyway, every time I had the chance to talk about great conductors with my colleges, fortunately or unfortunately we have different opinions about what a great conductor is.

In a general way of speech, we agreed to put conductors in 4 categories.

1. Conductors who can make music with the ensemble either by: 1.1 talking (instructing the ensemble the ways of making music)1.2 Having a great technique of directing the music with his hands and expressing it.

2.Conductors who can make music with ensemble just by talking and instructing and making great result but not having a great technique or none about conducting.

3.Conductors who can make music with the ensemble by the expression of his hands but they have nothing to say about music or to the ensemble.

4.Conductors who can’t do either one.

Between this categories are more subcategories, for now, we will generalize it this way just to make the final point.

It is obvious that the first choice is more likely the most complete. There are some people who like conductors who don’t talk much and others liked to be instructed.
For sure by now, we know that a conductor should have a complete knowledge about the score, background of the music, knowledge of style and the whole other things that he needs to know to conduct a piece (so much work actually). The knowledge of the instruments in the ensemble is very important too, so he knows what an instrument is capable of or incapable of. Also it should have chemistry with the ensemble, so they can perform music together.

Unfortunately, in the region that I am now, there are so many number 4 conductors, because in this region, almost everybody’s goal is to become a conductor, but by the shortcut. Power, control, image and authority are the virtues to look for to become a conductor. It is social statuses per say. Some of them, they did a course for 3 months; they got the diploma and bravo! They are conductors.

Of course this region has many number 1 conductors and I had the pleasure and the privilege to work with them. Anyway, here my point, a diploma does not guarantee anything. Many of them should less talk and more study.

La historia de la música nos ha dejado magníficos directores. Hoy en día también gozamos de grandes directores. Afortunadamente o desafortunadamente, siempre que he tenido ocasión de hablar con mis colegas sobre que es un gran director, las opiniones has sido dispares.

En conclusión y generalizando, hemos formado 4 categorías entre directores.

1.Directores que son capaces de transmitir e instruir a una agrupación hablando y con la batuta, es decir, aquellos que poseen una técnica con la cual pueden transmitir música.

2.Directores que transmiten e instruyen una agrupación solamente hablando, ya que carecen de una técnica importante para transmitir con la batuta.

3.Directores que no hablan y que transmiten e instruyen solamente con la batuta.

4.Directores que no son capaces ni de un modo u otro.

Entre estas categorías hay muchas otras categorías. Por ahora, y para llegar al punto que quiero transmitir lo pondremos en estas 4 categorías.

Está claro que la primera categoría es la más completa. A muchos de mis colegas les gusta un director que no hable y que solamente dirija, a otros les gusta lo contrario, y a otros una mezcla.

Dejar claro que un director tiene que tener el conocimiento de la partitura, su historia, conocer el estilo de la época, compositor etc. (mucho que estudiar). Conocer los instrumentos de la agrupación es otro punto muy importante. Tener buena conexión con los miembros del grupo y hacer buena música juntos.

Desafortunadamente, en la región donde vivo, hay muchos número 4 directores. Aquí, ser director es un estatus, una búsqueda de fuerza, control y autoritarismo son más importantes que saber sobre la música en sí. Muchos salen de país de vacaciones y vuelven con un diploma de director.

Claro que en esta región también hay directores de la categoría 1. He tenido la suerte de hacer música con ellos. Así pues he llegado a este punto, un diploma no hace a nadie ser director, hay muchas más cosas que uno tiene que hacer para ser un buen director y entre esas cosas esta hablar menos y estudiar más.

Contemporary Classical Music / Música Contemporánea

2010-03-25T05:10:00.000-07:00

Recently, I have been ask to be member of a Contemporary Music Ensemble, "Sori Ensemble" located in Seoul. The first Korean Contemporary Music Ensemble. Tomorrow, March 26th, we will perform a concert in Seoul and this brings me to today's topic; Does music have a limit? When does the music became noise? Is noise music? How can we tell the difference between the music and noise?

It is not easy to make new music, almost everything has been done. Many composers are great doing this job but some composers, well, just I don't get it. Music becomes just random sounds with weird rhythms, and there are not connected. I wonder what kind of thought is behind this. Maybe, It is because the world is becoming like that? Random, crazy and unreasonable. Do we need to do that with music?
This brings me to my next point; Why do we have music?

One of the composer's point of view is that music is the expression of the composer and the interpreter, no doubt about it. What about the listener? What is the motivation for a music listener to go to a concert?
I go to a concert because I want to feel something when I am listening to music. What do I have to feel when I listen to the type of music I was talking before? Unfortunately, most of the time I don't feel anything. I go walking on the streets and I hear construction noise, I don't feel anything.
Yes it is hard to tell good contemporary music from bad contemporary music. It is a hard call.

I hope that this thoughts can bring all of you to explore a little more this part of the music world. There is great contemporary music and tomorrow's concert it will be a reflection of that.

Let's keep listening to music and please, if you have something to comment just write it! Thank you.

Recientemente, he sido invitado para ser miembro del grupo de música contemporánea llamado “Sori Ensemble”. Este grupo es el primer grupo de música contemporánea de Corea. Mañana, 26 de Marzo, ofreceremos un concierto y esta experiencia me brinda el tópico de hoy; ¿Dónde está el límite de la música? ¿Cuándo se convierte la música en ruido? ¿Es ruido música? ¿Cómo podemos diferenciar la música del ruido?

No es fácil hacer música nueva ya que casi todo está escrito. Muchos compositores son geniales componiendo música nueva pero lamentablemente hay compositores que realmente lo hacen mal. La música se convierte en sonidos raros, con ritmos raros no conectados. Lo que me pregunto es ¿qué le viene a la mente de un compositor para componer composiciones de ese talante? ¿Puede ser por que el mundo está perdiendo sentido y cada vez hay más caos en todas partes y los compositores están influenciados por ello? ¿Necesitamos hacer lo mismo con la música? Y esta pregunta me brinda la oportunidad de hacer esta siguiente pregunta; ¿Para qué tenemos música?

La música es la expresión del compositor y el intérprete; este es uno de los puntos de vista del compositor y el cual comparto. Ahora bien, ¿qué pasa con los oyentes? ¿Cuál es la motivación de un oyente para ir a un concierto? Yo voy a conciertos ya que escuchando música me gusta sentir. ¿Qué tengo que sentir cuando escucho la música de la que hablaba anteriormente? Desafortunadamente, nada. Cuando camino por la calle y escucho el ruido de la construcción tampoco siento nada.

Si es difícil diferenciar la buena música contemporánea de la mala. La verdad que es difícil.

Espero que estas reflexiones pueda motivaros para que exploren este mundo interesante de la música contemporánea. Existe música contemporánea genial, y el concierto de mañana va a ser el reflejo de ello.

¡Seguiremos escuchando música y si tienen algún comentario no duden en escribirlo! ¡Muchas gracias!

Musicians Vs Behevior / Músicos Y Comportamientos

2010-03-15T05:52:00.000-07:00

The following comments are made from a general point of view as well as from my experience.

The same as in our society, in the music world are people with different ways of behaving socially. The question is;
Is there any "right" way of behaving?
Do we need to change our behaving style according to the situation?

Fact: string, piano and singers think that the way how brass and percussion as well as some woodwind players talk or express are generally rude. Brass, percussion and some woodwind players think that the way how string, piano and singers talk or express are generally uptight.

Our society does "box" people up. We can not deny the fact that we have been "box up" because of our instrument in some social occasion.

Of course there are many facts why brass, percussion or woodwind instruments has not many chances to play as a soloist, but, does the social behaving fact affect the possibility for a brass, percussion or woodwind instrument to perform as a soloist?

Do you think strings, singers and pianist should go more easy with everything or brass, percussion and some woodwind player should change their way of behaving?

What is your point of view?

Please feel free to write comments.

Thanks you!

Los siguientes comentarios están escritos y pensados desde un punto de vista general y de experiencias personales.

En la sociadad como en la sociedad musical, existen diferentes maneras de comportarse. La reflexión es la siguiente:

¿Existe una manera ¨correcta¨ del comportamiento?
¿Hay que tener diferentes formas de comportamiento acorde a la situación social?

A los instrumentistas de cuerda, piano y voz les parece que los de metal, percusión y algunos de los vientos madera son de alguna manera groseros. Al cambio, a los instrumentistas de metal, percusión o algunos de viento madera les parecen los de cuerda, piano y voz finolis, pero no positivamente hablando.

Nuestra sociedad tiende a etiquetar a la gente. Es innegable, y mentiríamos si decimos que nunca fuimos etiquetados por nuestro instrumento en alguna ocasión social.

Existen muchos factores por los cuales los instrumentos de metal, percusión y algunos de viento madera, no suelen tener la oportunidad de aparecer como instrumento solista, pero, ¿Tiene algna influencia el factor del comportamiento social en este aspecto?

¿Crees que los instrumentistas de cuerda, piano o voz tendrían que ser menos finolis o que los de metal, percusión y algunos de madera tendrían que cambiar su comportamiento?

¿Cual es tu opinión?

Si quieres compartir tu punto de vista, lo puedes hacer escribiendo un comentario.

¡Muchas gracias!

The Listening of Music / Escuchando Música

2010-03-09T17:18:00.000-08:00

There are many books written about the subject of The Listening of Music. It is why is a little difficult to give a new information about this subject. Anyway, we can see the listening of music from different angles and feel it from different perceptions, and it should be done in a very personal way.
The reason that I am bringing up this is because in general speaking, people has the tendency to judge a performance, before even having done an exercise of awareness and observation. Another debate that we can bring it up is if we have the need to do this exercise. Well, as a music learning loving people we should. By observing and by having ear for listening music, we can make our playing and listening richer, plus, we can learn so much from other players. The great cellist an artist Yo-Yo Ma, talked about music learning in a "round table" with students at the Tanglewoond Music Festival in 2001. I was part of it as a member of the festival; he said " I think the learning process never ends. Every time that I play a concert, always there is a new sound, new phrase that I thought wau! I could play this phrase this way too, or make this color of sound that way. Every experience of listening other people play, is a learning experience, regardless of the level of the players".
There are many ways of listening; observation is one of them. Are we aware, or do we observe music? If we do, what are we aware of?
Be aware of; technical interpretation, musical interpretation and the music itself. I like to do that my self.
I could write about each of them. For today, just I like to write about the ultimate goal; listening to the music itself. It is true that it will not help our learning in ways of technique or musical styles but will help our inspiration and sensitivity towards music and art. Of course we should make time to observe music and learn from it too.
This is the way that I do; I will play music in my stereo, computer etc. I will empty my mind and I will just listen by being aware about how does the music make me feel, and I will just feel. That all. Very easy.
You can try this right now! Listen to this track and practice this exercise. Have fun and many feelings, because music is meant to make you feel after all.

Existen muchos libros escritos sobre las maneras de escuchar la música. Por ello, es dificíl dar nueva información al respecto. Lo que sí me gustaría compartir son diferentes maneras de tratar este tema. Es verdad que es un tema muy personal, aun y así, creo que es interesante compartir mi punto de vista.
La razón por la que hablo sobre este tema es la siguiente. Generalizando, se puede decir que la mayoría de la gente, cuando escucha música, lo primero que hace es juzgarlo antes de haberse consumado un ejercicio de observación sobre la música en si. Otro debate sería si realmente existe la necesidad de hacer este ejercicio. Desde mi punto de vista es totalmente necesario, y más como músicos. Observando la música, y la manera de la interpretación del músico, podemos aprender muchísimo. En una charla en el Festival de Tanglwood (Estados Unidos), donde tuve la suerte de ser miembro del festival, el gran Cellista Yo-Yo Ma dijo lo siguiente; "El proceso de aprendizaje nunca termina. Hoy en día sigo aprendiendo cuando toco con diferentes orquestas o solistas. Siempre escucho una nueva manera de hacer una frase, o de hacer un sonido. Cada experiencia que tengo al oir otra gente tocar música, sea del nivel que sea, siempre aprendo algo nuevo".
Hay muchas maneras de escuchar la música; desde la observación es una de ellas. ¿Realmente observamos la música? ¿Qué observamos en la música?
Observar; técnica del intérprete, interpretación musical y la música es su pureza.
Podría escribir de cada uno de ellos. Por ahora, voy a excribir sobre la música en su pureza, la cual en mi parecer es el objetivo final. Es verdad, con las otras dos maneras de escucha podríamos aprender diferentes aspectos, los cuales nos ayudarían como músico a la hora de la ejecución pero la música en su pureza nos ayudará a sentir la música más profundamente y así tener una mayor inspiración en nuestras vidas.
Esta es de la manera que lo hago; pongo la música la cual me gustaría escuchar, pongo mi mente en blanco y solamente observo lo que la música me hace sentir, y siento. Eso es todo.
Como ejercicio, aquí les dejo ésta música maravillosa de Elgar. Que lo disfruteis y que lo sientan por que al final de todo, la música está para sentirla.

Barenboim & Music Details

2010-03-05T19:49:00.000-08:00

Today I like to talk about Musical Details.
Daniel Barenboim, one of the best known conductor and pianist of our time talks in a Master Class about Beethoven Sonata. The student in the Master Class is another well known world pianist Lang Lang.
It is so inspiring the way how Barenboim talks about music and talks about imagination. It is amazing how details can make the music so different. Am I aware of these details when I play music? Or I could say better; Am I aware of these details when I LISTEN to music? Do we need to be aware of these details? Does make our conception of music different if we know that these details exists? this can be a long debate, anyway, in my next article I like to talk about the listening of music. For now I like to bring you these thoughts and this video
If you like to see the entire Master Class please follow the You Tube links, thank you.

Hoy me gustaría hablarles the detalles musicales.
Daniel Barenboim, unos de los más célebres pianistas y directores de nuestros tiempos presentó una Master Class sobre las Sonata de Beethoven. En ésta Master Class el estudiante es otro de los pianistas más conocidos mundialmente, Lang Lang.
Me inspira este video ya que es tan maravilloso que un profesor hable de detalles musicales, y que haga ver cómo un detalle musical puede hacer tanta diferencia en una frase musical. Desafortunadamente este video no tiene subtítulos en castellano. Les diré generalmente de lo que habla.
La imaginación es uno de los factores más importantes para la expresión musical. Sin ella no podríamos lograr esa especial sensibilidad musical. Habla también sobre anécdotas en su vida.
Si desean tener todo traducido, lo podría hacer. Y si quieren ver toda la Master Class, quizás les sirva más que este video que he bajado. Para ver toda la master class sigan los enlaces de You Tube: Master Class with Daniel Barenboim.
Unas preguntas que me gustaría lanzar; ¿Somos conscientes de los detalles musicales cuando tocamos o estudiamos música? o pordía decirlo mejor: ¿Somos conscientes de detalles musicales cuando ESCUCHAMOS la música? ¿Necesitamos tener consciencia de estos detalles? ¿Cambia nuestra concepción musical cuando sabemos que existen estos detalles? esto puede ser un debate bastante largo.
En el siguiente artículos hablaré sobre la escucha musical, por ahora, lanzo estas preguntas en las que espero que puedan reflexionar.

Chopin & Cortot

2010-03-03T03:11:00.000-08:00

Today I like to talk about Frederic Chopin. It is his year "Birthday" 1810.
Chopin was born in the village of Żelazowa Wola, in the Duchy of Warsaw,to a French expatriate father and Polish mother. He was considered a child-prodigy pianist. At age twenty, on 2 November 1830, he left Warsaw for Austria, intending to go on to Italy. The outbreak of the Polish November Uprising 27 days later, and its subsequent suppression by the Russian Empire, led to his becoming one of many expatriates of the Polish Great Emigration.
In Paris, Chopin made a comfortable living as a composer and piano teacher, while giving few public performances. Though an ardent Polish patriot, in France he used the French versions of his given names, and traveled on a French passport, possibly to avoid having to rely on Imperial Russian documents. After ill-fated romantic involvements with Polish women, from 1837 to 1847 he had a turbulent relationship with the French novelist Aurore Dupin, better known by her pseudonym,George Sand. For the greater part of his life Chopin suffered from poor health; he died in Paris in 1849, aged thirty-nine, of pulmonary tuberculosis.
Chopin's compositions were written primarily for the piano as solo instrument. Though technically demanding, they emphasize nuance and expressive depth rather than sheer virtuosity. Chopin invented musical forms such as the instrumental ballade and was responsible for major innovations in the piano sonata,mazurka, waltz, nocturne, étude, impromptu and prélude. (From Wikipedia)
As far as I know Chopin never wrote for trombone, anyway, I was in to Chopin after listening to Cortot's Chopin piano playing.
Alfred Cortot was a French pianist. One of the most celebrated piano interpreters of Chopin and Schumann, Cortot made editions of both those composers music which were notable for his own meticulous commentary on technical problems and matters of interpretation.
This Ballade no.4 in F minor, op.52 is one of my favorites.
I am not an expert in piano playing, anyway, I feel that Cortot's touch at the piano and the colors that I can imagine make me dream. It is a great mood and feeling for me. Also helps me for my trombone playing, specially when I play french music.

En 1810 nació Frederic Chopin. Nació en una aldea de Mazovia, a 60 kilómetros de Varsovia en el centro de Polonia. La fecha de su nacimiento es incierta: el compositor mismo (y su familia) declaraba haber venido al mundo en 1810, el 1º de marzo y siempre celebró su cumpleaños en aquella fecha, pero en su partida bautismal figura como nacido el 22 de febrero. Si bien lo más probable es que esto último fuese un error por parte del sacerdote (fue bautizado el 23 de abril en la iglesia parroquial de Brochow, cerca a Sochaczew, casi ocho semanas después del nacimiento), esta discordancia se discute hasta el día de hoy. Su padre, Mikołaj (Nicolas) Chopin (Marainville, Lorena, 1771-1844), era un emigrado francés de lejanos ancestros polacos, que se había trasladado a Polonia en 1787, animado por la defensa de la causa polaca, y era profesor de francés y literatura francesa; también era preceptor de la familia del conde Skarbek. Su madre, Tekla Justyna Kryżanowska (Dlugie, Kujawy, 1782-1868) pertenecía a una familia de la nobleza polaca venida a menos y era gobernante de la finca. Sin embargo, la familia se trasladó a Varsovia en octubre del mismo año, pues su padre había obtenido el puesto de profesor de francés en el Liceo de Varsovia. Ambos tuvieron 3 hijas más: Ludwika (tb. Ludvika, 1807-¿?), Izabella (1811-¿?) y Emilia (1813-1827). Frédéric era el segundo hijo y único varón. Frédéric y sus hermanas crecieron en un entorno en el que el gusto por la cultura en general, y la música en particular, era considerable. Su primera maestra de piano fue su hermana Ludwika, con quien luego tocaba duetos para piano a cuatro manos. Al destacar pronto sus excepcionales cualidades, a los seis años sus padres lo pusieron en manos del maestro Wojciech Żywny, violinista amante de la música de Bach (hecho entonces poco común) y de Mozart, y que basaba sus enseñanzas principalmente en ellos.Un año más tarde compuso su primera obra y como el niño no sabía escribir muy bien, la pieza fue anotada por su padre. Se trataba de la Polonesa en sol menor para piano, publicada en noviembre de 1817 en el taller de grabado del padre J. J. Cybulski, director de la Escuela de Organistas y uno de los pocos editores de música polacos de su tiempo; ese mismo año compuso otra Polonesa en si bemol mayor(recuérdese que tenía solo siete años de edad). A éstas siguieron otras polonesas, además de marchas y variaciones. Algunas de estas composiciones se encuentran hoy perdidas.A los ocho años tocaba el piano con maestría, improvisaba y componía con soltura: dio su primer concierto público el 24 de febrero de 1818 en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia, donde tocó el Concierto en mi menor de Vojtech Jirovec. Pronto se hizo conocido en el ambiente local de la ciudad, considerado por todos como un «niño prodigio» y llamado el «pequeño Chopin». Comenzó a dar recitales en las recepciones de los salones aristocráticos de la ciudad. Así se ganó un número creciente de admiradores.
Alos 20 años de edad se fué de Varsovia a Austria para después ir a Italia. La supresión del Imperio Ruso en Plonia hizo de Chopin unos de los Grandes Emigrantes Polacos.
En Paris, Chopin vivió cómodamente como pianista, compositor y profesor aunque daba muy pocos conciertos en público. Aurore Dupin fué unos de sus amores más fuertes y turbulentos y gran influencia en su vida.
Chopin murió en Paris en 1849 a la edad de los 39 años.
Las composiciones de Chopin son mayormente para piano como instrumento solista. Aunque son composiciones virtuosísticas tienen una expresión exquisita. Fué creador de la Ballade e hizo innovaciones de las sonatas, mazurkas, waltz, nocturnos, estudios, impromptu y preludios para piano.
Creo que Chopin nuca escribió para trombón pero después de escuchar al pianista Alfred Cortot tocar Chopin, me sumergí en su música.
Alfred Cortot fué músico Francés. Célebre de las interpretaciones de Chopin y Schummann.
Este Ballade nº4 en fa menor, es uno de mis favoritos. No soy un experto en piano pero siento que de la manera que toca Cortot me hace ver colores y soñar. Una maravilla.

Welcome, Bienvenido

2010-03-02T06:59:00.000-08:00

Hello,
I hope to find time to write as much as I can about interesting subjects. I like to talk about art and the dreams that we all hope for our better life.

Here one of my favorite artist, Paquito de Rivera. Of course the whole group is just great! I like to start our journey with this video and music that I hope all of you like it.
The solos of Paquito, Claudio and Slide are fantastic, anyway the best for me is the way how Danilo Perez plays the piano when he is in the background. His sense and sensitivity are outstanding and inspiring.

Here the Band: The United Nation Orchestra lead by Dizzy Gillespie
Trumpet：Claudio Roditi
Trumpet+Fluglehorn：Arturo Sandoval
Saxophone+Clarinet：Paquito D'Rivera
Saxophones：Mario Rivera
Saxophone+Flute：James Moody
Trombone：Slide Hampton
Bass Trombone：Steve Turre
Piano：Danilo Perez
Guitar：Ed Cherry
Bass：John Lee
Congas：Giovanni Hidalgo
Drums：Ignacio Berroa
Percussion+Drums：Airto Moreira

Hola,
Espero encontrar tiempo para escribir sobre temas interesantes casi todos las semanas. Quiero escribir sobre arte y sueños que todos tenemos por una vida mejor.

Este video destaca uno de mis artistas favoritos, Paquito de Rivera. Todo el grupo suena impresionante. Creo que es un comienzo brillante para este blog.
Los solos de Paquito, Claudio y Slide son fantàsticos, con lo que me quedo es de la manera que Danilo Pèrez acompaña al piano. Su intuición y sensubilidad son impresionantes.

Big Band: The United Nation Orchestra con Dizzy Gillespie
Trumpet：Claudio Roditi
Trumpet+Fluglehorn：Arturo Sandoval
Saxophone+Clarinet：Paquito D'Rivera
Saxophones：Mario Rivera
Saxophone+Flute：James Moody
Trombone：Slide Hampton
Bass Trombone：Steve Turre
Piano：Danilo Perez
Guitar：Ed Cherry
Bass：John Lee
Congas：Giovanni Hidalgo
Drums：Ignacio Berroa
Percussion+Drums：Airto Moreira